Jean-Pierre Melville

Le nom “Melville” n’est pas immédiatement associé au film. Il évoque des images de baleines blanches et de capitaines ludiques, de notaires renversants et de marins à la soupe. C’est le contresign à un royaume d’hommes et de leurs actes, à la fois héroïques et méchants. C’est le roman américain, avec ses Ismaëls et ses Claggarts, un défi au canon européen. C’est Herman Melville . Et pourtant, pendant plus de trois décennies, il a également été porté par l’une des lumières les plus brillantes du cinéma français, Jean-Pierre Melville, dont l’art était aussi révolutionnaire que celui de l’auteur éponyme.

Jean-Pierre Grumbach est né le 20 octobre 1917 dans une famille de juifs alsaciens. Dans sa jeunesse, il a étudié à Paris, où il a été exposé à de grands films, dont Robert J. Flaherty ‘.Le documentaire muet de WS Van Dyke , White Shadows in the South Seas (1928). Cela a laissé une marque si profonde sur le pubère Grumbach qu’il est devenu un habitué du cinéma, une obsession qui le profiterait à l’âge adulte. Ses premiers efforts, des films au format 16mm, ont été réalisés avec une caméra que son père lui avait donnée à cette époque. En 1937, toutefois, sa carrière est mise à mal lorsqu’il entame le service obligatoire dans l’armée française. Il était toujours en uniforme lors de l’invasion des nazis en 1940; sous le nom de guerre de Melville, il aida la Résistance et fut finalement obligé de fuir en Angleterre. Là, il rejoint les forces françaises libres et participe à la libération de l’Europe continentale par les Alliés. Après la guerre, malgré le désir de revenir à Grumbach, il s’aperçut que ce pseudonyme était resté.

Désireux de gagner sa place dans l’industrie du cinéma, Melville s’inscrivit au syndicat des techniciens français mais se vit refuser l’adhésion. Inébranlable devant ce qu’il considérait comme une politique partisane, il créa sa propre société de production en 1946 et commença à sortir des films en dehors du système. Le premier, un court-métrage à petit budget intitulé 24 heures de la vie d’un clown (1946), est un succès, inspiré par son amour de jeunesse pour le cirque. Son premier long métrage, Le Silence de la Mer(1949) était très novateur. Pièce intime sur les horreurs de la Seconde Guerre mondiale, elle met en vedette des acteurs inconnus et est filmée par une équipe de skeleton. Son emploi du temps était inhabituel: il a été tourné en 27 jours au cours d’une année. Sa production était inhabituelle: elle incorporait des scènes “sur site” – des raretés de l’époque – réalisées sans permis vitaux. Sa provenance était inhabituelle: il a été adapté d’un livre avant l’obtention du consentement de l’auteur. Surtout, son style était inhabituel. Ses décors sombres et claustrophobes et ses gros plans éclairés par le bas marquaient le départ du cinéma hautement cultivé de René Clair , Marcel Pagnol , Abel Gance et Jacques Feyder . Ce n’était ni une comédie, ni un drame costumé, ni un “cinéma pur” d’avant-garde.Jean Renoir de La Grande Illusion (1937), il était clairement quelque chose de nouveau.

Au cours des 12 années suivantes, Melville continua à créer des films susceptibles d’influencer les auteurs de La Nouvelle Vague. En 1950, il collabora avec Jean Cocteau sur une version peu satisfaisante de Les Enfants Terribles (1950), l’histoire de une relation étrange et incestueuse entre frères et soeurs. Quand vous lisez cette lettre (1953), avec son soutien français et italien, est son premier projet commercial. Bien que non rentable, les honoraires qu’il a reçus lui ont permis d’établir un studio en dehors de Paris. Son prochain travail, Bob le Flambeur (1956), met en vedette Roger Duchesne, un grand homme populaire des années 1930 qui avait sombré dans la pègre pendant la guerre. En tant que tel, il était un choix particulièrement apte pour le rôle de Bob à la mode, qui s’immole lui-même. Daniel Cauchy et le nouveau venu Isabelle Corey , la tentatrice Anne, faisaient partie de la distribution . Bien que la photo ne soit pas un succès, c’est un favori des aficionados qui fréquentaient la Cinémathèque française d’ Henri Langlois . Parmi eux se trouvaient les jeunes savants Jean-Luc Godard et François Truffaut , ce dernier ayant utilisé Guy Decomble de “Bob le flambeur” dans son film Les 400 coups(1959) qui ont inauguré l’ère de la “nouvelle vague”. Ils ont adoré la hanche, nouvelle version d’un scénario fatigué, dont une grande partie a été tournée dans les rues avec des caméras cachées. Ils l’ont considérée comme fraîche et audacieuse, comme une “libération” par le rejet des adaptations littéraires élevées et par l’adoption de la culture pop. En termes simples, Melville a refusé de respecter les règles et ils ont emboîté le pas.

Rétrospectivement, “Bob le flambeur” semble simple: un gangster réformé devenu joueur à gros enjeux sort de sa retraite pour décrocher un dernier emploi. Son génie réside dans sa simplicité. Melville admirait la culture américaine, comme son pseudonyme l’indiquait. Il a sillonné Paris dans une énorme Cadillac, portant un chapeau Stetson et des lunettes de soleil aviateur. Il a bu du Coca-Cola et a écouté la radio américaine.Howard Hawks l’ appelait, car ils étaient des sagas sans âge de héros et de méchants. Melville s’est efforcé de construire son propre panthéon en mélangeant l’ethos américain à sa sensibilité d’après-guerre. Selon lui, c’est l’Amérique qui a vaillamment sauvé la France de l’occupation allemande. Pourtant, pour un jeune homme d’origine alsacienne, la ligne de démarcation séparant les bons et les méchants avait été brisée, et on peut voir cette désillusion de Le Silence de la Mer.(1949). Ainsi, alors qu’il empruntait à la révolte des noirs américains contre les créations dichotomiques hollywoodiennes des années 1930, l’artiste forgeait sa propre série apocryphe de tragédies noires. Dans son paradigme, un criminel pourrait être une sorte de héros dans son milieu, à condition qu’il reste fidèle à sa parole et à ses allégeances. C’est son style personnel et son adhésion au code d’honneur qui ont défini un “bon gars”; à l’unanimité, c’est sa foi dans les autres qui l’a fait tomber. C’est un univers sans possibilité de salut, dans lequel amour et amitié sont de brefs interludes dans les jeux du chat et de la souris qui conduisent à une destruction certaine. En ce sens, Bob est un lien crucial entre Julien Duvivier de Pépé le Moko (1937) et de Godard Breathless(1960), dans lequel Melville donna une brillante performance de camée.

Jean-Pierre Melville est souvent considéré comme le parrain de la Nouvelle Vague. Néanmoins, il convient de mentionner que s’il n’y avait pas eu sa passion pour le film américain, il nous aurait montré un “Bob le flambeur” très différent. Conçu à l’origine comme un film de gangster à la coque dure évoquant l’intrigue pas à pas, Melville a été obligé de repenser son récit après avoir visionné The Asphalt Jungle (1950) de John Huston , remarquablement similaire à celui-ci . Ce n’est qu’alors qu’il a eu l’idée de transformer Bob en une comédie de moeurs qui ravissait les cinéphiles de l’époque. Pour cela et d’autres dettes de gratitude, sa prochaine photo, Two Men in Manhattan(1959), était “une lettre d’amour à New York” et l’Amérique qu’il vénérait. Cependant, c’était aussi son troisième flop au box-office, et Melville s’est séparé du mouvement New Wave qui, à son avis, s’était adonné au cognoscenti. Il a dit plus tard: “Si … j’ai consenti à passer pour leur père adoptif pendant un certain temps, je ne le souhaite plus, et j’ai mis un peu de distance entre nous.”

La première étape de cette scission est venue avec Léon Morin, Priest (1961), un article de guerre sur les efforts d’un prêtre pour apporter la rédemption aux habitants d’une petite ville. Produit par Carlo Ponti , c’était une affaire de gros budget avec Jean-Paul Belmondo et Emmanuelle Riva, les deux noms de famille d’ici là. Fort de son accueil favorable, Melville a sorti quatre films consécutifs policiers et voleurs, les plus remarquables étant Le Doulos (1962) et Le Samouraï (1967). Belmondo a de nouveau figuré dans “Le Doulous”, non pas en tant que membre du clergé mais en tant qu’indigène Silien, dont la loyauté envers ses vieux copains l’enterre dans une toile d’intrigues et de catastrophes. Au cours de la réalisation de “Le Samouraï”, film minimaliste envoûtant sur un assassin condamné, le studio de Melville a brûlé et le projet a été achevé dans des locaux loués. Quoi qu’il en soit, ce fut un succès critique et commercial. Présenter Alain DelonEn tant qu’assassin ultra-cool, Jef Costello, il a été considéré comme l’une des images les plus minutieusement travaillées de l’histoire du cinéma. Delon sera plus tard une vedette dans un deuxième chef-d’œuvre, Le Cercle Rouge (1970), mettant en vedette l’ultime bijou à l’écran. Son endurance sang-froid Charles Lord Bronson ( Jack Lord) servit de contrepoint dans l’œuvre de Melville au Belmondo, plus léger et moins prévisible. Une autre production mémorable est Army of Shadows (1969), un portrait austère de la perfidie dans les rangs de la Résistance française.

Il est banal de dire qu’un artiste en particulier n’est “pas pour tout le monde”. Dans le cas de Melville, cette déclaration ne pourrait pas être plus appropriée. Malgré un ventre rond et un visage peu attrayant, il était un coureur de jupons notoire, et son chauvinisme est douloureusement évident dans ses films. Ce sont des œuvres cyniques, dirigées par des hommes, dans lesquelles les femmes sont dépourvues de noblesse et ne fonctionnent que comme de belles pièces d’échecs. Ses hommes manquent également de profondeur spirituelle, jouant leur rôle avec diligence jusqu’à la confrontation finale. Un “moment profond” se produit inévitablement devant un miroir, un cliché pour lequel de nombreux critiques ne partagent pas l’enthousiasme du créateur. En raison de ces peccadilles, ainsi que de son manque d’antécédents et de motivations de caractère, la dernière production de Melville a été accusée de rigidité, avec sa troupe en bois de flics, d’escrocs et de mauvais sujets. De plus, malgré les intrigues bien structurées, les films de Melville sont méthodiquement rythmés avec une énorme attention portée au temps et à l’endroit. Les Hollywoodphiles les trouvent souvent lents, avec une accentuation excessive sur le ton et le style.

Certains sont allés jusqu’à prétendre que le génie du réalisateur était dépassé par son importance pour le développement du médium. Ils le considèrent comme une sorte de figure de Moïse, aidant à guider la Nouvelle Vague vers la terre promise sans prendre part à ses fruits. À sa mort par crise cardiaque en 1973, le jeune homme âgé de 55 ans n’avait dirigé que 14 projets, dont au moins six sont des classiques reconnus. Outre Godard et Truffaut, des personnalités telles que John Woo , Quentin Tarantino , Michael Mann , Volker Schlöndorff , Johnnie To et Martin Scorseseont indiqué à lui comme une influence clé. Si l’héritage d’un homme se mesure mieux non seulement à sa qualité, mais également au respect de ses collègues, la contribution de Jean-Pierre Melville au cinéma compte certainement parmi les plus grandes.